魅影卢浮 我心中的神殿ZZ

kelly_liUID: 131944

:)

kelly_liUID: 131944

:)

kelly_liUID: 131944

:)

kelly_liUID: 131944

:)

kelly_liUID: 131944

:)

kelly_liUID: 131944

:)

kelly_liUID: 131944

卢浮宫三宝(1):蒙娜丽莎

这幅油画又称为《乔空达夫人》，在达芬奇的创作中具有代表性。艺术家用了近四年的时间创作了这幅画，可谓苦心经营。后来他把画献给了法兰西斯一世，之后一直被保留在卢浮宫内。达芬奇在绘画过程中一反当时肖像画华美的装饰效果，把人物性格与特质的脸部作为最重要的因素，并使它成为最显眼和重要的构图中心。他还认为面部表达的微妙表情中还需有活人的真实感，这种真实感使左右一切的力量。可以看到，夫人微微开启的双唇和嘴角的微笑，充满温情的双眸，在暗色调的衣服和幽远背景的衬托下给人一种莫名的吸引力。扶靠在椅背上交叠的柔弱无骨的双手，与端坐的人物形成了三角形的构图，使整个画面充满安逸祥和的气氛。画家在一个具体人物的身上创造出理想化的美，使瞬间即逝的面部表情成为一种喜悦的永恒象征。这幅肖像画中所表现的以人物为中心的倾向对以后的画家产生了极大的影响，为近代肖像画的技法打下了基础。


       据说蒙娜丽莎还很神秘，无论你站在她的正面还是两侧，她的目光总是盯着你，似乎在向你眨眼睛。她的笑容也不一般，不同的人或不同的时间看她，总会有不同的感觉：亲切、温柔、娇嗔;玩世不恭、嘲弄讥讽抑或是......。特别是随着岁月的流逝，画上的油彩开始出现一些细微的裂痕，越来越使她的笑容变得诡秘。

kelly_liUID: 131944

卢浮宫三宝（2）：萨摩色雷斯的胜利女神

这是胜利女神尼凯的立像，她站在船头，展开华美的翅膀，威风凛凛地宣告胜利的来临。据说是公元前190年左右的作品，大约是罗得斯岛的军队战胜叙利亚的安提欧克斯三世，为了谢神，在萨莫色雷斯岛的卡比利神殿树立了这尊雕像。雕像高275厘米，1863年发现于萨莫色雷斯岛。也许它过于庞大，博物馆似乎找不到她合适的安身之处，于是人们把她安放在一条宏伟宽敞的阶梯的高处，让她在那里迎接来自四方的艺术爱好者。

      雕像的头部和手臂残缺，我们已看不到她的容貌，这是一个大遗憾。但也正是如此，人们才可以毫无禁忌地想象她是花容月貌抑或是威武豪迈。女神全身充满了生命力和雄壮的感觉。包裹身体的薄大衣被大海的飞沫打湿，随风飘扬，紧贴在女神丰满胴体上，细密而又富于变化的衣褶勾勒出女神优美的曲线，给人以华丽优雅的美感，被人称为是“崇高样式”的理想化人体。这座雕像完美而健全地体现了女性肉体所包含的蓬勃的生命力，并赋予其高贵优雅雄壮之美。这是古希腊时期的典型作品，在动态和静态的平衡上发展到了顶峰

kelly_liUID: 131944

卢浮宫三宝（3）：米罗的维纳斯

《维纳斯》创作于公元前2世纪末，高204厘米，1820年发现于爱琴海的米洛岛，1821年后为卢浮宫所收藏。她被誉为“黄金时期的缩影”，总结了古希腊所代表的一切。女神失去了双臂，但保留了完整的头部和面容，使我们能一睹女神秀美的风采。雕像从头、肩、腰、腿到足的曲线变化使人体以无比圣洁的姿态展现在人们眼前，沉静的表情里有种坦荡而自尊的神态，在她的面前，人们感到的是亲切、喜悦及对生命自由的向往，丝毫没有俗媚和肉欲。艺术家充满深情地表现了女性温柔宁静的美，被认为女性美的原型。

      虽然米罗的维纳斯诞生已有2000多年，但站在她的面前，丝毫感觉不出她有“古董”的气息，她是那么美、那么纯，微微倾斜的身体静静地矗立在那里，仿佛在沉思，仿佛在等待，曳地的长裙自然下垂，呈现出流畅的衣褶，使女神具有一种柔和的流动感。在她面前可以感觉到强烈的艺术感染力，可以净化人的灵魂，升华人的精神

kelly_liUID: 131944

乔治·德拉杜尔生于维克絮尔，死于吕奈维勒。他在艺术修养上较全而。他具备严格而且精确的禀赋，偏爱紧凑而精练的空间安排，极擅长对黑暗环境下灯光、烛光、火光的照明效果的描绘。
　    显然，德拉杜尔从卡拉瓦乔那里学到不少东西。根据一些评论家的看法，德拉杜尔在1612年或1613年曾经在罗马旅行过，卡拉瓦乔就是从那时起对他产生影响的。别的批评家则相信，德拉杜尔的绘画技术来源于这位艺术家所接触的吉拉拉多（Gheraldo）所画的夜色题材的作品。因为吉拉拉多也是一位对光和影的问题着迷并且显示解决这个问题的非凡天才的艺术家。德拉杜尔的这幅画大约绘于1635—1640年之间。画面充满了令人绝望的孤独感。玛德兰娜出神地盯着微弱的火苗，那火苗仿佛在眨眼之间就会熄灭似的。而她的一只手则呆滞地抚摸着腿上的那个骷髅。

kelly_liUID: 131944

按照圣经所述，施洗的约翰不是孩子，已是个成人了。而圣母携子逃亡埃及和以色列的时候，耶稣也仅是刚生下的婴儿，他不可能象画上所表现的那样指手划脚与约翰对话。此外，耶稣受洗的地点是在约旦河边，受洗时也没有马利亚在场。那么达·芬奇为 何作如此大胆改动呢?圣经上说，希律王为了剪除耶稣的后患，正派人在他诞生的地区大规模屠杀两岁以下的婴儿。天使启示约瑟，让他带着马利亚与耶稣逃出伯利恒，圣母子一家刚刚来到约旦河边，得知约翰在这一带传教，于是相约与约翰在附近一个岩洞内会面。画家把画面人物展现在一个古老的岩洞内，也是合乎生活情理的。
      耶稣受洗，在圣经上始终没有讲清年龄关系，此类题材往往随画家构思，各有不同表现。达·芬奇在学徒时期与老师合作的那一幅《基督受洗》，耶稣和约翰的形象显然已是成人了。画家在这一幅画上没有受宗教题材的局限，而以一种世俗的生活感情去表现这一主题。为了使人物充满一种天伦之爱，他把这种耶稣与约翰的所谓神圣会见，改变成两个天真的孩子在水边戏耍。但为了点明宗教题意，又不得不从动作上作些注解，如小耶稣用右手指着约翰，似乎在说：“你暂且许我……”。约翰也做出拱手向耶稣请安的样子。右侧坐在地上的天使，作为自天而降来到人间的美丽使者，她的形象被刻画得最美，脸上展现着达·芬奇的“微笑公式”，右手指着这幕受洗的趣剧，也象亲人一般似乎在庇护他们。显而易见，画家在这里决心以圣母为中心，赋予画面以庄重、温存和受天庇佑的母爱的感召力，而不是表现某种苦难、艰辛与恐惧的生活坎坷。中间的圣母一手扶着约翰，另一手去抚慰耶稣，体现了人间伟大的母性的力量。这和他早年那幅《基督受洗》是截然不同的。它表现了一种伦理感情，一种富有人性的美，而这，也正是当时人文主义思想的内容。
      在构图上，达·芬奇用的是金字塔形构图，它具有一种稳定感。四个人物统一在这一稳定的结构中。尖顶部位正好是圣母的头，耶稣的左手与天使的衣角，是塔形右轮廓的边缘，但这种塔形构图不是很呆板的对称公式，中心人物的圣母仍稍微向左侧倾，而塔形构图的下部却接近于棱形；约翰的头部略低于对面天使的头部，两角不相平衡，由于背景洞口的亮光被加强了，它们的色彩对比仍然是稳定的。全景既显得庄重，又很自然，它具有古典美的造型特色。
      我们还应注意这幅画的背景描写：达·芬奇不仅是一个卓越的风景画家，更主要的是，他以探索者的眼光，非常注意这种溶洞内的岩石结构。洞内的钟乳石对于文艺复兴时代的科学研究者来说，是一种地质学所探求的对象。这里又进一步反映出达·芬奇对地质地层的知识的广泛兴趣。在15世纪意大利的所有壁画上，一般人物总是被放置在风景前面的，而不是放在风景之中。达·芬奇在这里第一次把人物安置在特定的风景中间，让人物的境遇与阴暗的古老岩洞融成一个整体，这是画家在构思上寻求典型环境与典型性格的一个独创。在色调上，全画是以棕褐色为基调的，圣母身上 的深青与天使披风上的紫红、金黄和银灰色构成对比；耶稣与约翰的肌肤，与约翰的金黄色鬈发构成对比。阴暗的岩洞使达·芬奇发挥了他最擅长的明暗对比法则。这种画原是作为祭坛画画在板上的，两侧还有屏风画。作为一幅尚未最后完成的作品，它与1508年重新复制的一幅《岩间圣母》，在人物与色调上均有出入。在这后一幅上，人物更拉近一些，而且改掉了天使那只不自然地指向约翰的右手；她的视线也不再朝向观众，而是瞧着两个孩子的活动。就这一点看，它比前一幅显得成熟些。但在色彩上，圣母的深青色斗篷被改为深蓝色了，天使的红色披风变得富有暖意。可能这是画家晚期作画精力不支之故，也可能是由他的弟子所绘，但尚没有可靠的资料为此佐证。 这后一幅画现藏于伦敦国立画廊内。
    《岩间圣母》是达·芬奇在米兰时期的代表作，也是迄今保留下来的他的最完好的三大代表作之一。就这一构图，达·芬奇前后画过两幅画，色彩与细节略有不同。我们这里欣赏的是前一幅，约作于1483～1490年间，尺寸为198×123厘米，现藏巴黎卢浮宫。画上的情节取自圣经《新约全书·马太福音》第三章《耶稣受洗》故事：耶稣从加利利来到约旦河，见了约翰，要受他的洗。约翰想拦住他说：“我当受你的洗，你反倒上我这里来么?”耶稣回答说：“你暂且许我，因为我们理当这样尽诸般的义。”于是约翰许了他。耶稣受了洗，随即从水里上来，天忽然为他开了，他看见神灵，仿佛是鸽子在下降，落在他身上。天上这时有声音说：这是我的爱子

kelly_liUID: 131944

夏尔丹把这些简单的日常用品，按照严格的构图标准摆放，使各件东西恰到好处地占据了一定的空间，有其自身的合理性。先以主体物构成三角形，然后再沿着水平与垂直黄金分割去安排其他静物，仔细分析其他静物也都形成了小的三角形关系，并彼此又有关系，使人感觉到画面优美的韵律和丰富的节奏。
      油画大小 32×42cm ， 1760或1763年作，藏于巴黎卢浮宫。

kelly_liUID: 131944

让·安托万·华多(1684～1721年)的艺术年代，是法国从路易十四过渡到路易十五这一摄政时期的年代。这个时期由于法国对工商业与文化实行奖励政策，资本主义的经济发展较快；文学艺术也出现蓬勃与兴盛。名震欧洲的大剧作家如高乃依、拉辛、莫里哀、拉·封丹等，都是其时法国文坛的风云人物。他们崇尚古典主义，但不崇尚严格的理性规范。尤其在路易十五时代，艺术上有一种名为“罗可可风格”的时髦倾向，已渐渐取代了普桑时期流行的那种很讲究对称的巴洛克风格了。罗可可风格几乎侵袭了宫廷贵族精神生活的一切领域，不论是绘画、雕塑，还是宫殿装饰，家具与服饰，无不以这种罗可可风格为时尚。这就是画家华多的时代背景。
      “罗可可”一词的涵义是“贝壳形”，它源于法语rocaille，因属于路易十五时的艺术风格，故也称“路易十五式”。这种装饰风格的最大特征是:不论建筑内壁装饰，还是家具、画框以及用器等等上面的纹样花饰，都具有纤细、轻巧、华丽和繁缛的特性，弧线用C或S形，或者用漩涡形。在绘画上，力求色彩奢丽柔美，绘画的题材是爱情的追逐，为使形象尽可能浓艳、富有肉感，就采用人们最易接受的希腊罗马神话。这是18世纪法国宫廷封建贵族追求奢侈享乐生活的结果，是财富与权势结合的必然产物。就这种艺术倾向的渊源看，我们还必须以适当的笔墨来说明它与我国清代向欧洲出口瓷器与漆器工艺的直接关系。
      中国对法国出口工艺品大概起自17世纪初，至17世纪末期，这种贸易已急剧地增长。这主要是从荷兰以及英国转运入法国的。从古尔比创设的东印度公司向欧洲输入印度花布起，1701年安斐特立特(Amphitrit)号直接从广东运回大批中国货后，在整个18世纪，每年都有一至几艘法国船只运入相当数量的中国货物，其数量之多，品种之广，足以形成西方人尤其是上层贵族对中国工艺品的普遍占有。我国的丝绸、瓷器、漆器等工艺上的色调是以青与黄为主，我国特有的具有东方情调的曲线美，刺激着法国的装饰工艺。罗可可艺术在吸收中国丝绸光泽，工艺镀金，螺钿镶嵌等方面，特别是在吸收中国工艺装饰所特有的没有严格对称的唐草纹样与漩涡纹样方面，有着明显的摹仿痕迹。当时宫内以摆设中国工艺品为最高品格的陈设就是例证之一。关于法国罗可可艺术与中国工艺的关系，已有不少学者予以关心并正在认真研究。画家华多即属于法国罗可可绘画的前期代表。
      华多年轻时画运不济,加上他生性高傲，事业上屡遭坎坷。1709年争取罗马大奖的绘画竞赛落第，后来连自己的生计也难维持，不幸又得了肺病，处于所谓贫病交迫，走投无路之境遇。当他第二次去巴黎时，寄住在画商西鲁瓦家。1710年，华多受当时的一出幕间喜剧《三姐妹》的启发，绘制了这幅《发舟西苔岛》的初稿，以后又连续就此题材画了许多变体画，岂料这最后两幅画(即1716年作)在展出时，一举轰动了整个沙龙。
     《发舟西苔岛》描写一群贵族男女，梦寐以求地幻想有一个无忧无虑的爱情乐园。西苔岛,是希腊神话中爱情与诗神游乐的美丽岛屿。华多尽情描绘贵族男女准备出发去那里访问的情景。既然那是个行乐的天地，画家就以蔚蓝色大海为背景，远望烟波浩渺，使人展开渴求这种环境的幻想翅膀。这里的构图是一个充满诱惑的幻景，所绘的大自然也充满诗意。金色的霞光普照大地，这些贵族情侣在等待依次登上缀满鲜花的彩船，他们是那样迫不及待，有的早在相互搂抱，有的忙着挤上去。灿烂的阳光清楚地显现出这些醉生梦死的贵族男女的调情动作，尽管这些人物在整幅画上的比例较小。
      由于这一幅《发舟西苔岛》(爱情岛)画得很成功，华多于1717年8月28日被法兰西艺术院接纳为院士，从此，声望日隆。求画的人使他应接不暇，生活也有了极大的改善，但他仍勤奋作画。大约在1716年初，他总算有了一幢西鲁瓦为他提供的单独小房，可以安心于自己的绘画了。
       此画属于1717年完成的一幅，尺寸为129×194厘米，现藏于巴黎卢浮宫。

ssgrassUID: 175829

一个外国MM/GG……一个中国MM……一个外国MM/GG……一个中国MM……^W^

秋天的童话UID: 189247

I feel sad with anything relevant to Paris from yesterday.