你应该读懂的100幅世界名画

燕鸥and小蟹UID: 199804

来源：http://lianzai.china.com/books/html/629/index.html

图书简介:

    世界名画是人类文明的一笔独特财富。它以图像的方式记录了古老的历史，表达了真挚的情感，凝结了深刻的思想。不同民族的人民之间可能无法直接用语言进行交流，但名画却拉近了人们之间的距离……

作者:易乐
ISBN:7561334419/J.61
出版社:陕西师范大学出版社
出版日期:2005-06-01
书价:45.0


第一部分

    中国对世界各国绘画名作的介绍从20世纪初就已开始，那时，不仅有专业的美术史家从事写作，而且还有诸如《良友》之类的流行杂志定期进行报道，从而逐渐使维纳斯、蒙娜丽莎等著名的美术形象在中国民众中间普及开来。

·前言：读懂名作
野牛图
·内巴蒙花园
·渔夫
·辞行出征的战士
·狂欢者
·采花少女
·凯旋图
·手持莲花和金刚的菩萨
·查士丁尼大帝和他的廷臣
·巴约挂毯（局部一）
·缔造者圣父上帝
·哀悼基督
·五月
·圣三位一体
·《列王记》插图

内巴蒙花园









第一部分
内巴蒙花园  
作者 : 易乐  


　　


A garden pool: fragment of wallpainting from the tomb of Nebamun

　　陵墓壁画

　　埃及底比斯内巴蒙墓出土

　　约前1350年

　　64×74.2cm

　　英国，伦敦，大英博物馆

　　

　　我们知道，绘画在久远的时候就已经以各种形式存在着，对于美的追求，算是人类的一种本能吧，凡是在有人活动的地方就没有停止过。不过，那些起源时期的艺术作品对于后人来说终究还是有些费解的，随着时光荏苒而去，我们已经没有可能确切地知道这些图像为什么而画，具有怎样的含义。但是对于那些绘制于文明时代的作品就不同了，绵延不绝的习俗和古老常新的文字保证了这些艺术作品与后世之间的联系，这也就形成了我们常说的传统。

　　

　　西方文明的传统从公元前3000年开始。世界上最早进入文明时代的地区是两河流域，那里保存着古老的契形文字，以及许多精美绝伦的艺术品，可惜他们似乎不太善于把他们的才华用绘画的方式表现出来，或者因为这一地区战乱过于频繁，脆弱的绘画作品都无法完好地留存下来。而另外一个地区的情况则完全两样，它的东面是茫茫大海，西、南两面都是幽幽荒漠，外来的入侵者很难打破原有的宁静，这个地方就是在尼罗河两岸建立起辉煌文明的古埃及。如果今天有机会去埃及旅游，能够亲身感受一下矗立在广阔黄沙中的金字塔，仍然会被它那宏伟的气势所震撼。它们就像从太阳上射下的光束，坚固、永恒，相比之下，人的身体显得多么渺小。古埃及的法老们相信，这里会是他实现永生的居所。不光是法老，这样的信念后来也影响到一般的王公贵族，他们生前就开始为自己营建规模考究的陵墓，并且聘请最优秀的工匠来进行装饰，因此后人也把埃及艺术称为“来世的艺术”。

　　这两幅大约绘制于公元前1400年的壁画残片就来自于同一座埃及贵族的陵墓。《捕禽图》中位于画面中心的人物就是陵墓的主人——内巴蒙。他生前曾在古埃及的重要城市底比斯担任高官。而壁画上的情景告诉我们，即使在死后，他也仍然可以继续拥有物产丰富、美丽悠闲的花园，仍然可以和妻子、儿女一起在长满莎纸草的河畔尽情打猎。从画面上，观者丝毫感觉不到死亡所带来的哀愁色彩。因为在埃及人看来，死亡即意味着复活。也就是说，人死后，他的灵魂会离开他的躯体一段时间，经受一次到冥界的危险游历，如果这次历险能够顺利完成，那么他的灵魂将再次回到他的躯体，并且最终复活，不再死去。然而，这一次的复活不是在尘世，而是在他的陵墓里。其实，只要想到木乃伊的故事，对这种观念就不难理解了。埃及人制作木乃伊的目的，就是为了确保在灵魂安全回来之前，他的躯体能够完好无损地保存着，否则灵魂就会找不到依附，进而也就无法实现永生了。

　　从这个意义上讲，像这样的陵墓壁画其实很难被称为供人欣赏的艺术。因为除了死者的灵魂，它无意给任何人观看。事实上，创作它的画师们首先关心的不是画面好不好看，而是如何尽可能全面地把自然中的每一个角落都如实展现出来，因为这些作品的作用只在于能够使它的主人在陵墓里得到更好地生存。于是，画面中的图像被按照一套经过规划的秩序组织起来，《花园》便是一个很直观的例子。乍看上去，这是一个从空中俯视的花园，方形的池塘中荡漾着一波清水。但仔细观看便会发现，池塘周围的树木却被画成了侧面的样子，而左边的三棵树干脆横放着。同样，池塘中的白莲、鸭子和鱼也不是从顶部向下观望所能看到的模样，它们像被剪下来贴在了画面上。埃及人如此频繁地变换视角，把从不同角度看到的东西统统组织在一幅画面上，为的是使观者能够清晰地辨别出每一件东西的完整轮廓。只有这样，画中的事物才能成为现实世界的代替品，才能成为灵魂世界里不可或缺的一部分。






埃及人始终如一地坚持自己的观察方法，无论哪一件事物，他们都会选择最具有完整特性的角度去表现。在《捕禽图》中，我们看到内巴蒙站在船上，他的头和脖子是侧面的，因为头部从侧面图中最容易看清楚，可虽然是侧面的脸，但他的眼睛却又好像是正盯着观众，这是因为正面的眼比侧面的眼看上去更完整。接下来，他的肩膀和胸膛是正面的，这样我们可以看到胳膊与躯体结合，而为了能够让大家看清胳膊的活动，内巴蒙伸出的双臂又被表现成侧面的，我们可以看到他一手握着三只刚刚捕获的禽鸟，一手握着象征地位的权杖。从腰部以下，人物的腿和脚都被画成侧面的，而且双脚还永远会朝着同一个方向。像这样一个奇特的人物造型，难免会让人觉得有些扁平而扭曲，但是，千万不要就此认为埃及人眼里的人就是这个样子的，他们只不过是在遵循一条精确的法则，以便把自己认为是最重要的东西全部囊括在一个形体之中。正如艺术史家所说，中国人画的是他们感觉到的东西，希腊人画的是他们眼睛看到的东西，而埃及人画的是他们头脑里知道的东西。



渔夫







Fisherman

　　爱琴海地区壁画

　　希腊桑托林岛出土（旧称锡拉岛）

　　约前1500年

　　希腊，雅典，国立考古学博物馆

　　

　　在地中海和爱琴海的交汇处，有一方小岛，名叫克里特（Crete）。它与希腊半岛、土耳其半岛相围，共享宁静的爱琴海域。如果没有19世纪末的一次偶然的考古发现，这里或许至今仍是希腊诸岛中最普通的小岛之一。

　　

　　1900年前后，英国考古学家阿瑟·伊文思爵士（Sir Arthur Evans）在克里特岛找到了庞大的建筑遗址，他认为，它们即是传说中由米诺斯国王在岛上修建的克诺索斯（Knossos）王宫。王宫不仅残留着柱廊、庭院和屋宇，而且在其内部保留下很多装饰壁画。这些壁画的大多数主题来自大自然，譬如海浪、水草、章鱼、海豚等，充分显现米诺斯艺术中充满律动和欢愉的气质。尽管其存在的时间与埃及文明颇为接近，但克里特岛人的艺术看上去一点都不呆板，他们尽情描绘周围的生活，在他们看来，到处都有模特儿——自然景物如花、鸟、海贝和各种海生物，日常生活的情景如种田归来的农夫、与公牛角斗的壮士和翩翩起舞向女神表示敬意的妇女。

　　任何人都不怀疑，伊文思爵士的发现意义重大，谜一样的克诺索斯王宫及宫墙上的壁画给前去参观的人留下深刻印象。这一点想必伊文思本人也意识到了，当年，王宫刚刚被发掘出来的时候，伊文思一心想让人们追忆宫殿往昔的壮丽，于是聘请了瑞士画家用已发现的残部重新组合、描绘壁画。也就是说，尽管看上去仍然不失为精美迷人，但已经没有人能说清这其中有多少是原本就存在的，又有哪些是经过画家重新描绘，甚至是凭着伊文思的想象增添上去的。

　　相比之下，希腊考古学家波斯罗斯·马里那托斯（Spyros Marinatos）在1967年开始的一系列发掘工作就特别值得感激。他在克里特北部小岛锡拉岛（Thera）上发现了同样风格的壁画，并把它们按照出土原样完好地保存下来。由于繁荣时期的米诺斯王朝不仅统治克里特岛，还包括爱琴海中心基克拉泽斯群岛以及周边的众多岛屿，因此，我们尽可以依据锡拉岛上的壁画来想象克里特岛宫殿壁画最初的模样。图中这个渔夫的形象自在、优美，他侧着身子，扭正双肩，从中可见来自埃及的影响。可是，无论人物的表情还是身上的曲线，我们都会觉得比严格遵循正面律的埃及壁画优美得多。我们可以清晰地看到他是如何吃力地拎着两把海鱼，为了保持平衡，腹部的中心向前挺起，微微隆起的肌肉如此富有弹力，让他看上去至今仍保持着活泼、明朗的气息。红、蓝、黄、白，还有一点褐色，整个色调如同沐浴着海边的阳光，将人带入天真曼妙的遐想。这种轻松、优美的气质，以及对身边事物自然、生动的描绘，最终被希腊半岛的后来者所继承，成为希腊艺术萌生的土壤。







采花少女







A girl picking flowers

　　斯塔比伊壁画局部

　　公元1世纪

　　高30cm

　　意大利，那不勒斯，国立博物馆

　　

　　罗马人于公元1世纪征服了希腊，但是在艺术上却被希腊人所征服。当艺术经历了自由而伟大的觉醒，不仅艺术家已经充分地意识到自己具备的能力与技巧，就连普通公众也开始对精美的作品赞不绝口。罗马帝国的有钱人是艺术品的忠实嗜好者，他们不惜花巨资派人到世界各地去搜集珍宝，而且还把实在无法弄到手的作品进行复制，因此我们今天所能看到的绝大多数古希腊雕刻其实都是罗马时代的替代品。

　　

　　罗马人还喜欢用壁画来装饰自家的房间，而这种装饰的规模在庞贝（Pompeii）古城发掘以前实在是令人难以置信。18世纪中叶，梦想寻求古希腊罗马遗迹的考古工作者在意大利南部的海滨地区发现了被埋藏于火山灰烬之下的庞贝遗址。这里在古罗马时期曾是一座富裕的城镇，而且也是一处相当宜人的避暑胜地，许多有钱人都在这里居住并建造了不逊于罗马的豪华别墅。可惜，所有的一切随着公元79年意大利维苏威火山的一次突然喷发而付之东流，城市中的人们甚至来不及出门就和整座城镇一起被火山的洪流吞没。这场悲剧的唯一好处是，当它被发掘的时候，一切都宛如原来的样子，如同一页被凝固住了的历史。考古学家们惊讶地发现，城市里几乎每一座房屋和别墅的墙上都画满了画，建筑上经常使用的门廊或柱子、餐桌上依然新鲜的食物和餐具、窗外正在活动的人群、自然中幽静的风景……总之，人们生活中会遇到的形形色色的场景都被带到画面里来，有的甚至还会故意模仿带框的画或者舞台场面。这些画虽然并不都是杰作，但数量的确相当可观，从中我们也不难观察到罗马人生活的方方面面。

　　《采花少女》出土于庞贝附近一座经历了相同命运的城市。在这幅作品中，画家不仅轻松征服了自然的形体，而且也让观看者领略到优雅的含义。它表现的是一位正在采撷花朵的时序女神，其轻柔的样子如同舞姿般曼妙。人物的姿态是如此细腻而准确，我们可以清晰地感觉到女神是如何在行进中扭转她的腰、头部和脖子。右肩的衣裙因为转身采花的动作而自然垂落，透过轻薄的白纱，细心的读者会发现那段特意留在臂肘与腰部之间的空间距离。缓缓抬起的左腿和清风掀起的裙角无疑增加了画面的灵动感，使整个人物的身姿呈现出柔和而波折的曲线。我们还可以再来观察她的头部与双肩。距离观众近处的这个肩膀画得明显长些，这很快让人联想到了希腊时代发明的透视法，但还不仅如此，画家又在明暗不同的部位涂上了两种色调的颜色。近处的肩膀明显亮些，而且被染了一些红色，而在脖子的背光处，我们看到一笔干脆利落的淡绿色，它使脖子好像探向了画面里面，直到脸部扭转过来，这才又微微泛出一点偏红的色彩。艺术家已经能够收放自如地利用色彩的冷暖对比关系来表现形体与空间，同时又丝毫不露痕迹地将它们融之于整幅画面的飘然意境，就像画中的少女为了显得更娇美脱俗而故意隐去她的脸。

　　于是，在此时，艺术已经大大失去了它自古以来跟巫术或宗教的联系。庞贝及附近城市的室内装饰家们显然对于如何展现他们的高超技艺更感兴趣。也许，他们做得越出色，也就会有越多的人来请他们去装饰自家的墙面。而此时的观赏者也一定具备了相当的艺术素养，他们已经懂得如何去赞美一位艺术家，以及如何去体味那些蕴藏在作品之中的妙不可言的感觉。

第二部分

    在意大利人心里，真正的艺术应该是像古希腊、罗马那样美好，他们渴望恢复往昔的光荣，而忘掉那段夹在“古典”与“复兴”之间的不愉快的插曲——“中世纪”。

·逐出乐园
·春
·维纳斯的诞生
·基督受洗
·最后的晚餐
·创造亚当
·雅典学院
·西斯廷圣母
·天上的爱与人间的爱
·阿尔诺芬尼夫妇像
·圣安东尼的诱惑
·母亲
·野兔
·基督受刑图

春






在《春》这幅作品里，波提切利表现了美神维纳斯和她的庭园。维纳斯最初是司雨的天神，代表的象征含义很多：春天、繁殖、丰饶……而“创造天地万物的爱与美”是她最主要的象征意义。在传说中，无论是谁，包括众神，都无法逃脱她爱情的诱惑。她连走路时都会容光焕发，这时百花吐艳，群兽也会从森林中跑出来跟在她身后。波提切利是最早将这种超群脱俗的“美”还给维纳斯的画家之一。站在画面中间的就是维纳斯，她的中心地位通过其身后与众不同的植物得以烘托。她呈S形体态，身着白色丝绸长裙，长裙外又披一袭锦缎长袍，一面为红色附菱形图案，另一面是蓝色底上以金丝线刺绣花纹，其上更装饰有点缀着珍珠的流苏。这种红色与蓝色的主色调是当时表现圣母时才经常使用的。在新柏拉图主义者看来，古代神话中的维纳斯同《圣经》故事里的圣母一样，都是年轻、美丽、高贵的理想美化身。她们可以通过自身的美丽来提升人们的灵魂。



维纳斯的诞生









The Birth of Venus

　　波提切利

　　画布蛋彩

　　1485年

　　172.5×278.5cm

　　意大利，佛罗伦萨，乌菲兹美术馆

　　

　　《维纳斯的诞生》是波提切利的另外一幅名作，它在《春》之后四年绘制完成，描绘的是另一种形态的维纳斯。维纳斯，也就是古希腊神话中的阿芙罗狄特，在传说中是爱与美的女神。据希腊神话描述，她是从大海的泡沫中诞生的，而且一生下来就完美无瑕，既不必经历懵懂无知的童年，也无需面对临终将至的死亡。




第三部分

    《科斯皮尼博士和他的妻子安娜》是克拉那赫早年在维也纳创作的作品，它以充满寓意的象征手法成功表现了两位学识渊博的年轻人对于人生的新的积极看法。科斯皮尼博士（1472－1529）有着非凡的经历。



忏悔的抹大拉







The Repentant Magdalen

　　乔治·德·拉·图尔

　　1635年

　　64×48cm

　　美国，华盛顿，国家美术画廊

　　

　　17世纪的画家对光线似乎有特别的兴趣，从卡拉瓦乔开始，无论是委拉斯贵支还是伦勃朗，他们都在努力从光与影的对比中寻找某种打动人心的东西。不过，在他们的同代人当中，有一位法国画家的探索仍然显得卓尔不群，那就是善于运用烛光的乔治·德·拉·图尔(Georges de La Tour,1593-1652)。

　　

　　有关拉·图尔的记载，今天已经很少看到，了解他的生平甚至比鉴定哪些作品是他的真迹更为困难。1915年，美术史家和专业研究者已经将他的作品确定下来，可至于他这种简洁而独特的画风究竟是怎样形成的，唯一有帮助的线索就是，他在年轻的时候曾经到过意大利游历，可能在那里受到了卡拉瓦乔及其追随者的影响。不过，换一个角度说，拉·图尔倒是与另一位画家有更多相似点，那就是荷兰画家维米尔。虽然拉·图尔比维米尔年长一辈，但他们都以沉着静谧的画风著称于世，而名声在画家去世后又被很快遗忘，他们流传下来的作品非常稀少，都不超过40张，并且归属混乱，掺杂着很多赝品。进入20世纪后，二人又几乎同时被现代艺术家从尘封的历史中发现，进入最杰出的大师之列。他们俩也都是潜心于光线研究的画家，只不过维米尔着迷的是弥散的日光，而拉图尔更钟情于颤动的烛光，因此也有人将他称为“烛光画家”。

　　图中这幅《忏悔的抹大拉》便是拉·图尔表现烛光的代表作品。我们看到整个画面都处在黑暗的阴影里，只有桌上的蜡烛形成微弱的光源，散发着桔红色的光，照亮很小的一片。没有人忍心打破画面的宁静，一个女子坐在桌前，用胳膊肘托着下巴沉思，她就是抹大拉。抹大拉是《圣经》中仅次于圣母玛利亚重要的女性，也被称为“抹大拉的玛利亚”。她原来是一个妓女，过着放荡淫逸生活，但是在耶稣基督的感召下，她尽弃前嫌，改恶从善，成为基督忠实的门徒。她陪着圣母一起看着耶稣被钉上十字架，然后又在三天后目睹了基督的复活，成为神迹的见证者之一。在这里，拉·图尔将抹大拉表现得朴素、哀惋，丝毫不见华丽的服饰和世俗的享乐，只有明晰、沉静的反省。她柔软的手轻轻伏在一个半圆形的东西上，它正好处在背光里，与后面的烛光形成鲜明对比。当观者的目光顺着光线向左后方望去，镜子中映射出它的原形，那是一个象征着肉体的生命终将腐朽的骷髅头。此时，细心的观者或许已经体会出了画家在构图上的一个秘密：抹大拉的头、桌前的骷髅头、镜子里的头骨，正好形成一个三角，将中心的烛光围起来，以唯一的光源吸引人们的视线，令人无法分清哪些是现实，哪些是虚幻。

　　对于拉·图尔而言，忏悔的抹大拉似乎是一个非常重要的主题。在他一生为数不多的作品中，表现同一题材的就至少有4张，处理方法也颇为相似，都是黑暗的背景，然后将抹大拉与骷髅头笼罩在烛光里。这一方面确实富于宗教内省的意味，但另一方面或许也与画家对绘画形式的探索有关。在微弱的光线下，正常的视觉只能注意到明与暗两大部分，一切不必要的表面细节都被隐去，只剩下剪影一样高度概括的形体和轮廓。拉·图尔可能是最早利用简化的几何形去塑造永恒感的画家，他的作品像纪念碑一样肃穆、沉静，正如他内心对神的信仰。也就是出于这个原因，才使得拉·图尔在他那个年代显得格外与众不同，尤其是比较一下鲁本斯那样惊心动魄的激情，或者委拉斯贵支那样惟妙惟肖的刻画，观者就会更深地体会到，拉·图尔的作品如此单纯而简洁，同时又如此切入主题。



第四部分

    爱情，是18世纪法国上流社会最时髦的话题，而且留下相当多以爱情为题材的艺术作品。透过它们，不仅能够感受到当时那种浪漫、多情的气氛，还可以折射出法国社会方方面面的现实生活。除了前两篇提到的华多和布歇，还有一位画家以描绘风流社会的爱情见长，他就是弗拉格纳尔(Fragonard,1732-1806)。



自由引导人民







Liberty Leading the People

　　欧仁·德拉克洛瓦

　　布面油画

　　1830年7月28日

　　260×325cm

　　法国，巴黎，卢浮宫

　　

　　《自由引导人民》恐怕是西方绘画中最家喻户晓的作品之一，它的形象被制成各种印刷品、邮票、钱币，在世界各地广为流传。有的时候因为太常见了，我们甚至反而模糊了它本身存在的意义。其实，它之所以有这么大的影响力，不仅因为像介绍中常说的，是一张典型的浪漫主义美术作品，而且也在于它恰如其分地表现了现代社会最核心的政治主题：自由与人民。或许这二者应该结合起来看，浪漫主义的出现本身就传达了渴望自由的呼声。正如德拉克洛瓦自己所说：“如果认为我的浪漫主义是意味着自由表达个人的感受，不墨守成规，不喜欢教条的话，那么我承认我是浪漫主义者。”

　　

　　这幅作品的创作背景是1830年法国的“七月革命”。7月26日，经过第二次复辟的波旁王朝为了增强皇权，宣布解散议会，限制公民的选举权和出版自由。这激怒了法国人民，他们再一次采取暴力革命，工人、商人、知识分子、城市居民，纷纷走上街头，举起枪支和石块，向王宫的壁垒进军。人民进行了三天艰苦的巷战，最终战胜了保皇党人的军队，逼迫国王查理十世退位。德拉克洛瓦本人并没有参加这次战斗，但由于巷战打得最激烈的地方距离他的工作室很近，因此目睹了许多真实、悲壮的场景。例如一位名叫克拉拉·莱辛的姑娘首先在街垒上举起了象征法兰西共和制的三色旗，而少年阿莱尔则勇敢地把这面旗帜插到巴黎圣母院旁的一座桥头上，在中弹倒下之前还杀死了一名国王的士兵。受到人民起义的感召，德拉克洛瓦决定创作这件以当代事件为题材的作品。在给哥哥的信中，他写道：“虽然未能为祖国的自由而作战，但我至少要用绘画来为祖国争光！”

　　画面采取了顶天立地的构图形式。倒在地上的尸体、战斗的勇士以及高举法国三色国旗的女子，构成一个稳定又蕴藏动势的三角形。他们身后都是一往无前的战士。周围硝烟弥漫，远处的建筑是巴黎市中心的标志——巴黎圣母院。谁都可以看出，这是一个热火朝天的战斗场面，战死的人、受伤的人、冲锋的人，全都表现得精确逼真，令人如同身临其境看到现场一样。不过，难免有观众会问，为什么现实中会出现这样一位袒胸露怀的女子形象呢？这就要谈到德拉克洛瓦的浪漫气质了，他将神话中的自由女神与浴血奋战的人民安排到一起，她长着希腊雕塑般的轮廓，穿着朴素古典的衣着，与周围身穿现代服装的男士们相比，她更像一个抽象的人，代表着最高的精神与意义。不仅如此，画家将他本人也画到作品里面，头戴高礼帽，身穿燕尾服，手中紧握长枪。这种将自由女神与反抗人民组合，具有强烈号召力的作品在雕塑家吕德的作品中再次出现。这是位于巴黎凯旋门上的一块浮雕。它表现了1792年，马赛人民高唱《马赛曲》，抵抗奥地利军队武装干涉法国革命的情景。如今，这两件作品都穿越历史，成为代表法兰西民族精神的标志。正如诗中所歌唱的那样：“自由！你的旗帜虽然已被撕破，但仍在大雷雨中迎风飘扬，你的号角声虽然已经破碎而逐渐微弱，但它仍超过暴风雨的最高声浪。你树上的花朵已经散落，而且树皮被斧子砍伤，看起来粗糙，不值一文，但树液仍然存留着——而且我们看见那种子深深种植着，甚至种在北方的胸膛里，将带来一个美好的果实甘美的春天。”




................................

在线欣赏

http://lianzai.china.com/books/html/629/index.html

[ Last edited by rhwfyf on 2005-9-7 at 19:30 ]

约翰草UID: 201365

谢谢 小蟹  等会好好看看 可能看不懂 呵呵

燕鸥and小蟹UID: 199804

Originally posted by 约翰草 at 2005-9-7 18:21
谢谢 小蟹  等会好好看看 可能看不懂 呵呵

呵呵
不客气
有详解的
要静下心来欣赏

大大师UID: 143282

谢谢小蟹,稀饭

morstarUID: 208672

好贴~~~谢谢楼主

esyaoelleUID: 180382

每次来到这里看到提级的书和画,都觉得自己真应当挖个洞,仿佛自己的书都是占有,很少翻看.买了傅雷的世界名画讲解现在还没有看完.

绿洲里的骆驼UID: 2112781

我的美术是及格了

但是不知道是怎么及格的......

chelseaskyUID: 2124739

现在我们画画感觉离不开电脑了~~~~~~~~~~

还是向往以前背个画板无忧无虑出去写生的日子....

1900_oneoneUID: 2104750

还好，偶中外美术欣赏80多分
看了好多的人体美术～:L